Igor Levit: Unscripted

IGOR LEVIT ÜBER IMPROVISATION, SEINEN „SEHR DIREKTEN“ UND PERSÖNLICHEN KLANG UND SEINE LIEBE ZU FREDERIC RZEWSKI, MARINA ABRAMOVIC UND STIMMEN JENSEITS DES KLASSISCHEN KANONS

Von Ben Finane

Der STEINWAY ARTIST Igor Levit hat sich laut der New York Times als „einer der wichtigsten Künstler seiner Generation“ etabliert. Er gewann den Gilmore Artist Award 2018 und wurde bei den Royal Philharmonic Society Music Awards 2018 zum Instrumentalisten des Jahres gekürt. Er sprach mit unserem Chefredakteur mit seiner charakteristischen Offenheit und Neugierde.

Ich habe mir gerade deine Aufnahme von [Bachs] Goldberg-Variationen (Sony Classical) angehört. Sie haben die Wiederholungen übernommen, und mir fiel beim Hören auf, dass die Bach'schen Verzierungen der ohnehin schon sehr schwierigen Musik eine weitere Schwierigkeitsstufe hinzufügen. Wie triffst du deine Entscheidungen bezüglich der Verzierungen bei Bach?

Nun, ich habe bestimmte Vorstellungen von bestimmten Mustern, aber die meiste Zeit entscheide ich mich nicht wirklich im Voraus. Ich gehe einfach mit dem Fluss, und ich mache auch hier und da improvisierte Ornamente. Ich meine, es hängt wirklich von meinem Gemütszustand ab, von der Stimmung der Variationen, von der Struktur der Variationen. Aber ich habe keine vorgegebenen Regeln, die ich Ihnen nennen könnte.

Aber das ist bemerkenswert: in dieser Musik so flüssig zu sein, dass man tatsächlich Verzierungen improvisieren kann - denn ich würde sagen, die meisten Pianisten schreiben sie im Voraus.

Nein, das mache ich nie. Ich schreibe nie etwas auf.

Und das gibt Ihnen natürlich einen unmittelbareren Klang.

Ja.

Und das ist etwas, was ich an deinem Sound mag. Ich möchte nicht das Wort „zugänglich“ verwenden, ich möchte nicht das Wort "direkt" verwenden, aber ich würde sagen "präsent". Du klopfst nicht wirklich an, bevor du den Raum betrittst.

[Lacht.] Nein, das tue ich selten. Im wirklichen Leben schon. Aber ich weiß irgendwie, wie ich etwas klingen lassen will, und das ändert sich von Klavier zu Klavier, von Raum zu Raum, von Tag zu Tag, also bin ich... Ja, ich bin sehr direkt.

Auch das ist ein Element der Improvisation: Ich setze mich einfach mit dem Instrument hin und greife an, basierend auf der unmittelbaren Reaktion der Akustik.

Nun, ja, ich bevorzuge den schnellen und direkten — ich will nicht sagen "einfachen" Sound, aber irgendwie ... "direkt" und "zugänglich", ich mag diese Worte irgendwie.

Das ist gut. Gut so. Dann werde ich keine Angst haben, sie in Zukunft zu benutzen.

Nein, das brauchst du nicht.

Was sind deine Prioritäten, wenn du dich hinsetzt, um eine Partitur in Musik zu verwandeln? Und sind diese Prioritäten bei jedem Komponisten gleich, oder variieren sie je nachdem, um wessen Musik es sich handelt?

Nun, zuallererst lese ich den Text. Ich versuche, ihn in meinem Kopf zum Klingen zu bringen. Ich stelle ihn mir vor, aber dann... Das ist für mich schwer zu sagen. Ich denke nicht in diesen Begriffen. Ich fange einfach an zu spielen, aber ich bin derjenige, der versucht zu verstehen, was der Text sagt. Ich bin derjenige, der versucht, Leben in den Text zu bringen, also das ist es im Grunde... Das klingt vielleicht etwas unspektakulär, aber das sind die Prioritäten für mich. Das war's.

Nur die Übermittlung des Textes?

Nun, nein. Natürlich übertrage ich den Text aus meiner ganz persönlichen Perspektive, zu der mein Leben, meine Stimmung und meine Erfahrungen gehören. Ich benutze sie also, um den Text zum Leben zu erwecken, aber ich bin derjenige, der versucht, das zu tun.

Das ist sehr interessant. In der Literatur würden wir sagen, dass es sich eher um eine „offene Lektüre“ als um eine „geschlossene Lektüre“ handelt. Das heißt, du bist bereit, deine Erfahrungen und Gefühle einzubringen, ob du heute Morgen einen Kaffee getrunken hast oder nicht — all das wird in deine Interaktion mit dieser Musik einfließen. Das klingt für mich sehr interaktiv.

Ja, das ist es auch. Ganz genau. Nicht mehr und nicht weniger. Ja. Ganz und gar. Ich mag diese Vorstellung vom Künstler als Diener der Musik und des Komponisten nicht. Ich diene niemandem. Ich versuche zu verstehen und Leben in die Musik zu bringen; ich bin derjenige, der den Text liest und [noch einmal] versucht, Leben und Sinn in ihn zu bringen. Aber es geht in beide Richtungen. Ich diene ihm nicht, aber ich beherrsche ihn auch nicht. Ich bin sein Partner.

Ich verstehe. Als ich Maurizio Pollini diese Frage stellte, sagte er, man solle „versuchen, die Absicht des Komponisten zu verstehen und zu vermitteln“. Ihr Ansatz, würde ich sagen, hat mehr Flexibilität.

Nun, meine Frage an den am meisten — wie sagt man — bewunderten und...

...verehrt?

...geliebten, großen, großen Musiker Maurizio Pollini wäre: „Nun, woher wissen Sie das wirklich?“ Und dann würde ich auch mit Busoni antworten, der gesagt hat, dass die Musik so grenzenlos und so frei und so immateriell ist, dass man sich automatisch einschränkt, wenn man versucht, sie auf einem Blatt Papier mit schwarzen Punkten aufzuschreiben. Das Ziel der Aufführung ist es also, sie freizusetzen. Busoni schreibt: „Wie um alles in der Welt kann sich ein Interpret überhaupt vorstellen, dass dieses Stück Papier, das ich Ihnen als Komponist übergebe, jemals der letzte Strohhalm sein könnte?“

Das ist interessant.

Es ist unmöglich. Es ist unmöglich. Das ist gegen die Natur der Musik, da stimme ich Busoni völlig zu.

Und dann ist da noch der elektronische Komponist Paul Lansky, der sagte: „Notation ist eine Falle“.

Nun, die Notation ist vielleicht keine Falle, aber man kann sie sicherlich zu einer Falle machen — und sich dann selbst in eine Falle locken. Ganz genau.

‘Ich mag diese Vorstellung vom Künstler als Diener der Musik und des Komponisten nicht. Ich diene niemandem.’

Diese Kombination aus Bach, Beethoven und Rzewski [auf Levits Album von 2015 bei Sony Classical] hat mir sehr gut gefallen. Erzähl mir, was dich zu Frederic Rzewskis Musik hingezogen hat. Ich weiß natürlich, dass du ihm einen Auftrag erteilt hast, aber was war es, das dich anfangs an seiner Klangwelt reizte?

Sie ist sehr menschlich, sie ist sehr direkt, sie ist sehr kommunikativ, sie ist sehr warm, sie ist sehr emotional, und sie bezieht Stellung. Seine Musik bezieht Stellung, und seine Musik verlangt von jedem, der ihr zuhört, Stellung zu beziehen. Er ist ein unglaublicher Geschichtenerzähler. Er ist ein unglaublicher Kommunikator. In gewisser Weise ist er wie Pete Seeger. Er mag Bob Dylan nicht besonders [lacht], aber ich würde sagen, er hat eine gewisse Ähnlichkeit mit ihm. Und er weiß wirklich, wie man für das Klavier schreibt. Aber Frederic ist ein ganz besonderer Mensch: Er ist zutiefst kompliziert und, das kann ich sagen, beunruhigend - aber wir wurden sehr enge Freunde. Von Anfang an hatte ich das Gefühl: „Ich vertraue diesem Mann“, und so ging es weiter.

Ist Rzewski ein Troubadour in der Tradition von Bob Dylan?

Oh, absolut. Auf jeden Fall. Auch wenn seine Antwort jetzt wahrscheinlich lauten würde: "Was willst du? Was sagst du?" Aber ja, ich glaube, er ist es. Ja, absolut.

Okay, da wir den klassischen Kanon verlassen haben, weiß ich, dass du andere Komponisten mit den Klassikern auf eine Stufe stellst. Ich weiß, dass Thelonious Monk einen großen Einfluss auf dich hat. Gibt es andere, die du wirklich magst?

Nun, Pete Seeger ist... ich meine, natürlich habe ich ihn nie getroffen, aber er ist eine Art Held. Das gilt auch für Leonard Cohen. Genauso wie, wie du schon sagtest, Thelonious Monk. Mir fallen da viele ein.

Bei denen, die du gerade genannt hast, sehe ich ein bisschen den Trend zum Singer-Songwriter.

Ja, aber auch Singer-Songwriter im Hip-Hop-Bereich; ich finde, sie leisten hervorragende Arbeit. Kendrick Lamar, Chance the Rapper. Es gibt großartige Künstler da draußen, und ich glaube wirklich, dass der politische Sturm von heute der Hip-Hop ist - und deshalb bin ich automatisch sehr daran interessiert.

Ja, ich denke, Chance the Rappers Coloring Book und Kendrick Lamars To Pimp a Butterfly — die stehen auf einer Stufe mit allen großen Protestalben.

Ja, ich stimme zu. Ich stimme zu. Ich könnte nicht mehr zustimmen. Hör einfach weiter zu und behalte ein offenes Ohr.

‘Ich mag Kontrolle, aber ich übertreibe es nicht.’

Das ist alles. Immer ein offenes Ohr haben. Das ist alles, was ich den Leuten immer wieder sage. Und dieses Argument „Nun, man kann Klassik nicht in einem Atemzug mit blah blah blah nennen“ — auf dieses Argument kann ich einfach nicht eingehen, weil es einfach so abgedroschen ist.

Ich habe das zum ersten Mal vor ein paar Jahren erlebt und fand es ärgerlich. Aber heute finde ich es einfach spektakulär langweilig. Ich kann das nicht. Es ist zutiefst reaktionär und widerspricht meiner Meinung nach wirklich der Idee von Musik als Kunstform. Wenn diese Leute nachdenken würden, dann würden sie verstehen, dass sie die Musik eingesperrt haben, und das sollten sie nicht tun.

Ich bin Marina Abramovic vor vielen Jahren im West Village begegnet. Sie sprach mit ihrem Manager und sagte: „Ja, wir treffen gute Entscheidungen.“ Ich glaube, eine dieser guten Entscheidungen war ihre Zusammenarbeit mit dir. Was hast du aus dieser Zusammenarbeit mit Abramovic gelernt?

Oh Mann, darüber könnte ich wochenlang reden. Denk einmal an den Ablauf vor einem Konzert: Man sitzt hinter der Bühne, ist allein und versucht, sich zu konzentrieren, und dann konzentriert man sich, und dann ist man konzentriert, und dann geht man auf die Bühne, und dann spielt man. Das ist also eine Zusammenfassung dessen, was vor einem Auftritt passiert. Bei Marina war es ein bisschen anders, denn die Fokussierung fand statt, während ich im Saal war, also, wie du weißt, war ich im Saal und dann gab es diese dreißig Minuten Stille, bevor ich die erste Note spielte.

Ich erlebte also die Stille zusammen mit dem Publikum, und mir wurde klar, dass dies eine sehr viel spirituellere und tiefere Erfahrung ist: sich tatsächlich zusammen mit dem Publikum zu konzentrieren, anstatt allein im Backstage-Raum. Man kann sich so viel konzentrieren, wie man will, dann öffnet man die Türen, und dann klatschen sie, und man ist dran. Diese Erfahrung war also ganz außergewöhnlich: mit den Leuten zusammen zu sein und mit ihnen zu atmen, sich mit ihnen zu konzentrieren, mit ihnen zu sein. Es war etwas ganz Besonderes.

Was auch immer an diesem Abend geschah, und wir haben es acht Mal aufgeführt, geschah zusammen mit dem Publikum auf die direkteste und aufrichtigste Weise. Es war nicht künstlich. Es gab keinerlei Trennung, und das gab jedem einzelnen im Publikum - und mir - das Gefühl, dass es bei allem, was auf der Bühne passiert, um mich selbst geht. Es geht um mich, es ist für mich. Und ich habe mit vielen Leuten gesprochen, die dort waren, und sie haben alle dasselbe gesagt. Sie sagten alle: "Ich hatte das Gefühl, dass ihr nur für mich gespielt habt, und nur für mich." Das war für mich in Ordnung. Ich vermisse diese Tage wirklich. Ich vermisse sie auch. Ich muss sie anrufen.

Sie ist etwas Besonderes.

Ja, das ist sie wirklich.

Ich habe 2007 ein Klavierkonzert gegeben, nachdem ich ein paar Jahre lang nicht gespielt hatte. Es war nur eine Stunde, aber danach war ich völlig erschöpft. Vor über einem Jahrzehnt hast du ein richtiges Fitnessprogramm absolviert, Gewicht verloren und an Ausdauer gewonnen. Ich glaube, wenn ich diese Erfahrung, müde und unfit zu sein, nicht gemacht hätte, würde ich es nicht verstehen, aber ich verstehe es. Wir alle wissen, dass es im Allgemeinen hilft, fit zu sein! Aber könntest du beziffern, welchen Nutzen du aus dieser Erfahrung gezogen hast und wie sie sich auf deine Musikalität ausgewirkt hat?

Ich habe nicht darüber nachgedacht, wie es meiner Musikalität helfen könnte. Es hat einfach meinen Körper völlig verändert. Es hat die Art und Weise verändert, wie ich atme, wie ich mich bewege und so weiter. Es ist mir eigentlich egal, ob es sich zum Guten oder zum Schlechten verändert hat, es hat sich einfach verändert. Ich meine, ich bin natürlich viel flexibler und viel leichter geworden - im direktesten Sinne des Wortes. Ich glaube, es hat sich wirklich viel zum Positiven verändert. Es hat mir natürlich eine unglaubliche Selbsterfahrung ermöglicht, eine Erfahrung, was mein Körper leisten kann und wie weit ich gehen kann, und es hat mir ein großes Maß an Selbsterkenntnis gebracht, also würde ich es jedem empfehlen. Auf jeden Fall.

Welche Komponisten würdest du gern angehen, die du noch nicht gespielt hast? Wen hast du im Visier?

Isaac Albéniz. Ronald Stevenson. Ich muss wirklich darüber nachdenken. Ich mache diese Pläne nicht. Ich treffe jemanden, und dann weiß ich es: Bumm, das ist es, das ist mein Ding.

Ich muss sagen, deine Antworten lassen mich immer mehr an dich denken, als einen Typen, der spontaner und improvisierter ist, als ich es mir vorgestellt hätte.

Ganz genau. Ich weiß schon, was ich will. Ich mag Kontrolle, aber ich übertreibe es nicht.

[Fotos: Felix Broede, James Ewing]

Dieser Artikel erschien ursprünglich in Listen: Life with Music & Culture, dem preisgekrönten Magazin von Steinway & Sons.